Cerrar
FICHA ARTÍSTICA
Dirección: Carlos Ponce
Ayte Dirección: Elisa Bruck
Dramaturgia: Haurire
Intérpretes/Creadores :
Micaela Portillo
Sáhara Peña
David Viñas
Elisa Bruck
Daniel Guerro
Paula Grande
Iluminación: Jorge Vila
Vestuario: Alicia Melcón
Sonido: Pablo Bermejo
Grafismo: Micaela Portillo y Sáhara Peña
Siempre hay algo: Un concierto, una última cita médica, la declaración de la renta o asesinar a un amigo. Un Macbeth es un agujero de cola de gusano por el que caemos todos, “Ahora, ahora, ahora”, en este cruce de caminos hay un momento para todo pero nunca responde a una pulsión sincera. Nuestro demiurgo tiene el nombre de Hécate y fecha en el instante lo que ha de ocurrir. Cada momento se diluye en el siguiente sin un patrón, entre espejismos, niebla, barro, sangre y sudor.
Acumulamos como forma de escapar de la muerte, nos precipitamos por el tiempo como espectadores de la vida propia, incapaces de amar por encima de aquello que nos destruye, nadamos hacia el colapso como si nos faltase el aire. “Protect me from what I want”. Un Macbeth es un grito contra el veneno que nos pudre, una caída libre hacia el horror que supone no-vivir eternamente.
“To live past the end of your myth is a perilous thing” - Anne Carson
Los textos clásicos tienen un aura de intocabilidad que los convierte en un titán inabarcable de inicio. Al enfrentarnos al proceso de ‘Un Macbeth’ nos preguntamos : ¿Qué tenemos que decir nosotros sobre esto, que ya se ha hecho miles de veces?. La cantidad de expertos, tesis, ensayos, películas, puestas en escena que hay de Macbeth haría hiperventilar al mejor equipo de expertos. Tenemos veinticinco años y cero euros en la cuenta de la compañía. ¿Cómo vamos a hacer Shakespeare?.
Esta muestra es una patada al síndrome del impostor. Este proceso va de hacer Un Macbeth cualquiera, poner en pie Macbeth como si fuese la primera vez que se hace.
¿Qué está vivo a día de hoy en el Macbeth de Shakespeare?. ¿Cómo teñimos de sangre, de muerte, un escenario en 2023?. De esta dicotomía y de lo frenético de la secuencia de acontecimientos que propician esta tragedia atípica surge la línea de investigación escénica que nos ha ocupado los últimos diez meses y que destila en esta muestra.
Haurire Teatro es un colectivo de creadores emergente basado en Madrid. Surge en 2019 como un laboratorio de entrenamiento e investigación escénica fuera de los circuitos de escuela y tiene como objetivo la investigación sobre nuevos formatos escénicos y el trabajo con audiencias.
Nuestra metodología de trabajo parte del Devising Theatre y los Viewpoints y amplía la visión del actor/creador: trabajamos con técnicos, arquitectos, artistas plásticos... Creamos códigos comunes para componer colectivamente en escena.
La Metodología
Hacemos Devising Theatre porque nos funciona. En Haurire creemos que todos los miembros del equipo son creadores y artesanos. Ponemos los planos de significación de la escena al mismo nivel y trabajamos de manera horizontal y colaborativa para llegar a una narrativa común, a partir de nuestras experiencias y conocimientos individuales.
Para este proceso, que tiene como punto de partida el texto original de Shakespeare, comenzamos con un análisis -activo y de mesa- de las versiones española e inglesa de ‘Macbeth' e iteramos sobre dos fases: investigación y ensamblaje, que se repiten de forma cíclica a lo largo del proceso. Estos ciclos nos permiten relacionarnos con el material escénico ya generado y reflexionar sobre él. Pensamos sobre la escena desde la escena.
Nuestro trabajo como compañía y durante este proceso concreto se basa ampliamente en los entrenamientos psicofísicos y la técnica 'viewpoints' de la SITI Company, dirigida por Anne Bogart; así como en el concepto de ‘espectactor’ de Boal y el ‘espectador emancipado’ de Rancière, la tesis de Philip Auslander, las
recopilaciones -espectaculares y teóricas- de Matthew Reason y Anja Molle Lindoff en torno al ‘liveness’ y las pedagogías de Messiez y Orazi.
Teatro Neo Isabelino
“If liveness is the opposite of deadliness, then it is not the product of the performance alone. Nor does it simply rest in that ontology of simultaneity in time and space [...] it is the product of the particular encounter between spectator and performance”.
Matthew Reason y Anja Molle Lindoff - Experiencing Liveness
¿Qué tienen en común un concierto de Lady Gaga, un Madrid-Atlético, la Semana Santa, el Carnaval de Cádiz y el Teatro Isabelino? ¿Qué hace que un espectáculo “esté vivo”?.
Las tentativas inmersiva e interactiva y las investigaciones en torno a nuevos formatos escénicos que han proliferado durante los últimos años van en la línea de reconstruir un diálogo vivencial con el público que se había dado por muerto en el teatro.
Nuestra propuesta de “liveness” parte de un estudio fenomenológico del Teatro Isabelino y el texto original. Se basa, a su vez, en entender al público, al mismo tiempo, como un plano de significación de la escena junto con el texto, el cuerpo o el audiovisual y como un activo en la construcción de la acción escénica.
Su cuerpo, el espacio entre ellos y su manera de afectarse forman parte de la creación del hecho escénico. No buscamos una “experiencia”, si no establecer un diálogo en lenguaje escénico : la construcción de un evento tematizado e inseparable de sus coordenadas espacio-temporales, entre un espectador emancipado y un actor-creador consciente de lo cardinal de la mirada del otro.